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Théorie du Je peint
Omar Calabrese   L'Art de l'autoportrait - Histoire et théorie d'un genre pictural
Citadelles & Mazenod 2006 /  174 € - 1139.7 ffr. / 390 pages
ISBN : 2-85088-117-1
FORMAT : 29,0cm x 35,0cm

Traduction d'Odile Menegaux et Reto Morgenthaler.
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Les nouveautés des éditions Citadelles & Mazenod sont toujours attendues pour la beauté de leur présentation et la qualité de leur contenu. Ce volume sur L’Art de l’autoportrait ne faillit pas à la tradition. Très abondamment illustré, il est riche de nombreuses et magnifiques reproductions. Ce sont essentiellement des peintures, pour la plupart bien connues. Mais la principale qualité de l’ouvrage – ce qui n’est pas le cas de tous les livres de cette collection – réside dans le lien entre le texte et les images. D’abord, aucune illustration n’a été choisie pour elle-même : elle vient toujours éclairer le texte qui la commente ou l’utilise pour sa démonstration. Parallèlement, la plupart des œuvres citées sont reproduites. Qui plus est, la mise ne page est particulièrement bien réussie et place très souvent les reproductions en vis-à-vis direct du texte. Quand ce n’est pas le cas, un système de numérotation marginale permet de facilement retrouver l’œuvre évoquée.

Son auteur, Omar Calabrese, enseigne aujourd’hui la communication à l’université de Sienne et la sémiotique à Milan. Sa longue carrière universitaire et ses nombreuses publications (notamment Il Linguaggio dell’arte) témoignent de son intérêt pour l’ensemble des sciences humaines et leur application au domaine de l’art. Cette ambition est au cœur de cet ouvrage traduit en français. Il entend croiser différentes disciplines des sciences humaines (narratologie, sémiotique, psychologie, etc.) pour construire une «théorie» de l’autoportrait. L’idée sous-jacente est donc que l’art de l’autoportrait constitue une catégorie en soi qui a ses règles propres et ses fonctions spécifiques, différentes de l’ensemble des autres domaines artistiques. O. Calabrese en décrit la formation à travers une approche historique. Deux aspects intimement mêlés servent de fil directeur : l’affirmation de l’identité, et l’étude des fonctions de la représentation de soi.

Cette problématique se déploie en onze chapitres inspirés d’un article d’A. Chastel sur l’autoportrait. Les trois premiers étudient les formes qui ont précédé l’affirmation de l’autoportrait : l’artiste qui se représente dans les images comme pour signer son œuvre, une pratique de l’antiquité comme du Moyen Âge ; ou encore la pratique courante au XVe siècle de se représenter parmi les personnages de l’image quand ils sont nombreux ; ou, enfin, de donner ses traits à un personnage représenté, comme saint Luc peignant la Vierge, ou Holopherne décapité. Ces représentations de soi expriment une forme d’affirmation «générique» (p.45) de l’identité, répondant à diverses fonctions : montrer son appartenance à un groupe, participer au sacré, ou encore contourner et dénoncer les règles d’une société figée. Ces multiples fonctions expliquent que ces pratiques picturales se retrouvent jusqu'au XXe siècle.

La suite de l’ouvrage est consacrée à l’autoportrait proprement dit, en tant que genre autonome, qui s’affirme entre 1450 et 1550. Plusieurs chapitres (principalement les 4, 5 et 8) étudient les variations stylistiques de l’art de l’autoportrait et les diverses virtuosités auxquelles il donne lieu, que ce soit par les jeux de miroir ou de mise en abîme de l’artiste se peignant en train de se peindre. Ces variations sont elles-mêmes en rapport avec le statut plus intellectuel ou plus manuel accordé à la peinture. Le chapitre 6 est plus strictement consacré à la fonction de l’autoportrait comme moyen d’affirmer une position sociale, notamment celle du gentilhomme, de l’aristocrate, de l’homme de lettres ou du «seigneur des arts». Le chapitre 7 reprend ces problématiques à travers l’étude consacrée aux autoportraits féminins qui présentent des spécificités iconographiques les distingant des autoportraits masculins.

Les chapitres 9 et 10 correspondent à un autre aspect de la représentation de soi : la manifestation graphique de ses passions et de son intériorité qui correspond à une nouvelle étape dans la perception de l’identité. Ce sont des aspects certes présents au XVIe siècle, mais qui s’approfondissent à partir du XVIIe pour devenir centraux à partir du romantisme qui exalte les passions et fait de la quête de soi une des fonctions de l’art. Le dernier chapitre vient clore cette évolution par une sorte de retour en arrière : l’art du XXe siècle procède à un éclatement des formes artistiques d’autant plus net dans le cas de l’autoportrait que ce mouvement s’accompagne d’une «disparition du je».

L’ouvrage d’O. Calabrese présente donc une histoire de l’autoportrait qui entend faire la «théorie» de cet art. La conséquence de cette démarche est de favoriser les périodes de genèse, donc particulièrement les XVe-XVIe siècles et d’en faire le pivot de la démonstration, qui sert de fondement à la compréhension des autres périodes. La première et la quatrième de couverture, illustrées respectivement par des œuvres de Dali et Vigée-Lebrun sont de ce point de vue trompeuses et masquent le fait que la majorité des œuvres étudiées sont celles de la Renaissance. Mais la démarche a pour elle d’être stimulante.


Emmanuel Bain
( Mis en ligne le 19/04/2006 )
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